Рафаэль Санти. «Несение креста» Print

«Несение креста» Рафаэля Санти является одним из самых интересных и значимых произведений нового рода живописи. О маньеристических тендециях в работе Рафаэля, о композиции картины «Несение креста», манере изложения и историческом фоне картины «Несение креста» Рафаэля читайте в нашей статье.

В изобразительном искусстве существует огромное разнообразие стилей. Не имея строго определённых границ, они часто плавно переходят из одного в другой, при этом непрерывно развиваясь, смешиваясь и противодействуя. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, который в свою очередь переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых» стилей вообще не бывает. Искусство и культура любого периода настолько разнообразны по своим направлениям, что искусствоведы, обычно, избегают чётко определять исторические периоды и группировать художественные тенденции, не зависимо от их сложности.

Культура Возрождения в первые 30 лет XVI века получила в итальянском обществе широкое признание, благодаря чему она активно воздействовала на весь процесс культурного развития страны. В изобразительном искусстве и литературе Италии был воплощён гуманистический идеал свободной и гармоничной личности, идеализированный образ совершенного физически и духовно человека- героя, который был по-новому осмыслен в философии и политике.

Расцвет Возрождения пришёлся на тяжёлое для страны время, ужасной реальностью которого стали первые десятилетия итальянских войн. Вторжение чужеземных завоевателей, безусловно, способствовало формированию национального самосознания в среде широких слоёв населения.  Но бессилие Италии, ставшей в силу исторического соперничества Испании и Франции объектом их борьбы, крушение мечты о свободе, нарастание католической реакции, первой жертвой которой стала Италия – всё это определило масштабы поражения, во всех сферах жизни страны. Британская энциклопедия, например, пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончился с падением Рима в 1527 году». Ощущение надвигающегося кризиса, мировоззренческие противоречия, выросшие из утраты идеала целостности  мироздания нашли своё отражение в живописи и в 20-30 годы стали благодатной почвой для появления во Флоренции драматического и субъективно утончённого «нервного» искусства изломанных линий и надуманных цветов – маньеризма (живописцы Пармиджанино, Бронзино, Понтормо).

«Мадонна с длинной шеей» Пармиджанино

Несмотря на то, что некоторые исследователи считают маньеризм ранней фазой барокко, не стоит преувеличивать влияние этого литературно-художственного стиля на живописное искусство Италии. Парма, где работал Корреджо, «приобщилась» к маньеризму только после смерти художника в 1534 году. А в Венеции логику развития художественных традиций определяли Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Логичесим завершением общего кризиса гуманистической культуры Возрождения стала деидеализация художественных образов. Страшное осознание зависимости человека от внешних факторов вытеснило индивидуализм, а толпа всё чаще становилась образом картин. Человек перестал быть мерой всех вещей и центром вселенной. Иногда новаторство диктуется возникшими обстоятельствами, но это был переломный момент, когда инновации иссякли и начался постепенный упадок. Приоритеты изменились: обучение мастерству отошло на второй план, и общий уровень качества живописи начал падать тревожными темпами.

«Пигмалион и Галатея» Аньоло Брондино

Но для маньеристов особого значения это не имело, потому что во главу угла они ставили Божий замысел (маньеристы называли его «внутренним рисунком»), вложенный Богом в душу каждого живописца. Они утверждали, что неповторимое и стихийное по своей природе божественное вдохновение нельзя ограничить рамками ремесленных правил. А убеждение, что художнику разрешено отступить от истины, освободило маньеристов от необходимости следовать общим для всех художественным идеалам. В живописи это выразилось в изломанности линий, удлинённости фигур, напряжённости поз, многофигурности композиции, в причудливости освещения и перспективы.

«Мадонна с Иоанном Крестителем» Понтормо

Маньеристические тенденции проявляются в работах Джулио Романо и Джорджо Вазари. Маньеризм прослеживается у Рафаэля и Микеланджело. Для Микеланджело неуклонный процесс нарастания драматических элементов в искусстве был естественным и закономерным. Содержание его работ вышло далеко за пределы прославления церкви, и светское начало во многом вытеснило религиозное. Созданные им образы всегда отличались чертами глубокого драматизма. Но Рафаэль, наиболее полно и органично выразивший суть классического периода в искусстве Высокого Возрождения, был мастером спокойных гармоничных образов, венцом которых стала «Сикстинская Мадонна». Средства и способы его искусства выражения мысли позволяли Рафаэлю воплотить драматизм и конфликт происходящего только до определённого предела. Для дальнейшего продвижения художнику было необходимо изменить весь строй образов, создав качественно новые. Рафаэль же пытался воплощать свои замыслы, опираясь на свою уже сложившуюся образную систему, что и привело к противоречиям стиля. Поэтому возникали или искусственно драматизированные образы («Несение креста»), или работы с оттенком академизма («Святое семейство под дубом»). Первые признаки нарастающего духовного кризиса Рафаэля, исчерпанности его классического стиля появились в картонах для шпалер Сикстинской капеллы (1515 – 1516 гг.) и выразились увлечением зрелищного начала, эффектностью поз с преувеличенно «говорящей» жестикуляцией и чертами холодного совершенства. Эти изменения творческой ориентации художника ещё в большей степени присущи фрескам Станцы дель Инчендио (в 1514 – 1517 гг. выполнены по рисункам Рафаэля его учениками Джулио Романо и Джованни Пенни) и определили характер его двух последних композиций – «Несение креста» (ок. 1516 – 1517, Мадрид, Прадо) и «Преображение» (1519, Ватикан, Пинакотека).

Религия – полезный инструмент правления, поэтому она была была плотно вплетена в ткань повседневной жизни. Произведения религиозного характера должны были стать образцом благочестия и подражания для верующих. В эпоху Позднего Средневековья широкое распространение получила легенда о семи остановках Христа во время пути на Голгофу, хотя в текстах всех четырёх канонических евангелий ничего не сообщается о том, что Христос пал под тяжестью креста. В средневековом и ренессансном искусстве эта легенда нашла отражение в живописи уже как историческое событие. Рассказ об этом эпизоде Рафаэль представил в алтарном образе «Несение креста».

Первоначально эта алтарная картина была написана Рафаэлем совместно с художниками его мастерской для монастырской церкви Санта Мария дело Спазимо в Палермо (второе название картины «Сицилийское Спазимо»). Полотно, изображающее падение Иисуса под тяжестью креста, приобрели специально для этой церкви в 1520 году. Позднее картина долгое время находилась в частном владении, пока вице-король Сицилии Фердинандо д‘Айала не выкупил её и не подарил испанскому королю 1661 году. Филипп IV считал этого полотно Рафаэля одним из лучших в своей коллекции и ежегодно выплачивал монастырю за её владение 4000 дукатов.

«Несение креста» Рафаэль Санти

Композиция картины «Несение креста» всецело плоскостная, ощущение глубины достигается посредствам изображения движения (процессия выходит из глубины картины). Эта работа свидетельствует о том, что Рафаэль уже начал отходить от классического понимания пространства картины и стал пробовать приёмы, присущие маньеризму. Построение изображения на контрастах, с нарушением пропорций фигур привело к тому, что вся картина смотрится как театральное действие. Цветовая насыщенность образов, отображение внутреннего мира героев через определённый тон подчёркивают напряжённость и драматизм происходящего. В картине Рафаэль воспроизвёл легендарный эпизод из апокрипического Евангелия Никодима о присутствии возле Христа Богоматери в последние трагические моменты его жизни. Сцена, когда Христос, упавший под нестерпимой тяжестью распятия оглядывается на мать, в изнеможении протягивающую к нему руки, не только передаёт искренние человеческие чувства, но и содержит историческую подоплеку. Душевные муки Богоматери – это «imitation Christi» («подражание Христу»), образец, как верующие должны воспринимать тяжёлые страдания Иисуса Христа.

Всё это делает «Несение креста» Рафаэля одним из самых интересных и значимых произведений нового рода живописи.

автор: Людмила Велигорская

 

Гала Дали. Четыре облика одной женщины: муза, мать, любовница и дочь

Гала Дали. Четыре облика одной женщины: муза, мать, любовница и дочь

Ни для кого не секрет, что без Галы не было бы Сальвадора Дали. Они были более, чем муж и жена, более, чем художник и модель. Они – это два полушария одного мозга,

Мартирос Сарьян: все краски Армении слились на его полотнах

Мартирос Сарьян: все краски Армении слились на его полотнах

Мартирос Сарьян – основоположник современной армянской школы живописи, художник, поднявший армянское искусство на мировой уровень. Мировое значение его наследия

КОММЕНТАРИИ
  ИМЯ:    
    
E-mail:    
необязательно    
  ВАШИ КОММЕНТАРИИ:*    
Осталось символов: 

* На портале приветствуется самостоятельное мышление и не приветствуется оскорбление других пользователей. Просим максимально воздерживаться от ненормативной лексики.

Добавить Cancel

 

Дом Художников

 

НОВОЕ

История искусства рождается сегодня   О ПРОЕКТЕ

ПРИСОЕДИНЯЙТЕСЬ!

НАШИ ПАРТНЕРЫ

Центр Української культури та мистецтва

АВТОРСКИЕ ПРАВА

Копирование материалов портала 2queens.ru разрешается при наличии гиперссылки, открытой для индексации поисковыми системами, и уведомления о копировании материалов редакции портала 2queens.ru через почтовый ящик info@2queens.ru.